🔴 Te hablo de teoría musical en Radio Clásica _ Segundo trimestre 2025/2026
- María Valverde
- 23 ene
- 6 Min. de lectura
Actualizado: 27 mar
Esta temporada 25/26 estoy semanalmente en Radio Clásica.
El programa se llama El Pentagrama, y en él, cual profesora pedante y extravagante, os hablo de teoría musical.
Gracias por escucharme. 💚
Este programa de "El Pentagrama" desmiente el mito de que los creadores de vanguardia buscaban destruir la herencia clásica. La tesis narrativa del episodio explora la "cita musical" (el equivalente clásico al sample en la música pop o hip-hop), demostrando cómo los compositores del siglo XX y XXI estaban, de hecho, profundamente obsesionados con el pasado. Al insertar melodías y fragmentos históricos en contextos sonoros completamente nuevos, los creadores transformaron estas citas en poderosas herramientas para expresar ironía, nostalgia, crítica o reflejar la esquizofrenia y el caos del mundo moderno.
El guión ilustra esta fascinación viajando desde los sorprendentes pioneros del siglo XVII, como Biber y sus superposiciones militares, hasta el humor oscuro y desubicado de Shostakovich. A través del análisis, el programa se sumerge en el monumental collage sonoro de Luciano Berio (que hace flotar retazos de Bach o Stravinsky sobre una sinfonía de Mahler) y en el "poliestilismo" de Alfred Schnittke, capaz de chocar la elegancia barroca con disonancias terribles y un tango. Finalmente, el episodio aborda las recomposiciones modernas de Max Richter y la exploración de las raíces identitarias del hispano-colombiano Fran Barajas, demostrando que la historia de la música es un inmenso bosque de raíces subterráneas donde todos los creadores están eternamente conectados.
Este programa de "El Pentagrama" explora un punto de inflexión vital en la música del siglo XX: el momento en que se rompió la jerarquía tradicional de los instrumentos y el timbre (el color del sonido) pasó a ser el foco creativo principal. La tesis narrativa del episodio se centra en la espectacular emancipación de la percusión, una familia de instrumentos históricamente marginada al fondo de la orquesta; los eternos "amigos de las mudanzas" condenados a contar compases de silencio, que por fin reclamó el papel protagonista para demostrar que el ritmo y el sonido puro pueden desatar un virtuosismo tan arrebatador como el de un piano o un violín.
El guion ilustra esta revolución sonora a través de un viaje fascinante. Comienza con el hipnótico minimalismo de Steve Reich (Music for 18 Musicians y Clapping Music), influenciado por el flamenco y la polirritmia africana, donde los patrones matemáticos de desfase y la respiración humana crean un profundo trance meditativo. A continuación, el programa se adentra en el brutalismo físico y chamánico de Iannis Xenakis con su exigente Rebonds, para luego rendir homenaje al ingenio experimental de John Cage y cerrar el programa con una obra de reciente creación: Circle of Encounter de Dániel Láposi. Todos ellos demuestran cómo la música contemporánea abrió las puertas a un universo infinito donde cualquier sonido o impacto puede convertirse en gran arte.
Este programa, enmarcado en la celebración de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO) en Madrid, recibe a su primer invitado: el pianista y gestor musical Daniel Falces. La tesis del episodio se centra en desmitificar el concepto clásico y, a menudo, hermético de "música contemporánea" para rebautizarlo como "nuevas músicas", argumentando que la creación actual ya no se limita a la vanguardia puramente experimental, sino que es un reflejo vivo, plural y reflexivo de nuestra sociedad que dialoga constantemente con el pasado, el presente y el porvenir.
El guión ilustra este abanico de tendencias explorando cómo los compositores imaginan el futuro o reaccionan al presente. A través del análisis y las audiciones, se contrastan estéticas que buscan la belleza amable (Andrea Casarrubios) o el juego (Fran Barajas) con aquellas que incorporan recursos del pop, lo grotesco o la compresión electrónica (Bernhard Lang o Luis Codera). Finalmente, se exponen tres formas de encarar el futuro musical: la prospección fría o tecnológica (desde el futurismo maquinista de Mosolov hasta la Inteligencia Artificial con Gustavo Díaz Jerez), la "estetización" nostálgica del pasado mediante recursos antiguos y referencias renacentistas (Raquel García-Tomás y Joan Magrané), y el continuismo poético de quienes creen que el lenguaje tradicional aún no se ha agotado (Jesús Torres). Se escucha también música de George Benjamin, Sofia Gubaidulina, Thomas Adès y Helena Cánovas.
Este programa de "El Pentagrama" pone a prueba a sus oyentes con el habitual examen mensual, evaluando los conocimientos adquiridos en episodios anteriores sobre la forma de "tema y variaciones". La tesis narrativa del episodio, sin embargo, se centra en explorar el "impromptu" como el acompañamiento musical ideal para pensar: una pieza aparentemente contradictoria que nos vende la ilusión y frescura de una improvisación espontánea, a pesar de estar cuidadosamente meditada y escrita en la partitura.
El guion ilustra el viaje de este género pianístico a través de ejemplos de grandes maestros. Comienza con las obras pioneras de Schubert en Viena, concebidas como refugios poéticos para huir del paso del tiempo, y avanza hacia la subjetividad de Chopin y el misticismo fantasmagórico de Scriabin, destacado a través de las reveladoras interpretaciones de Vladimir Sofronitsky. Finalmente, el programa aborda la elegancia íntima del francés Fauré y la fusión de géneros en manos de Liszt, demostrando cómo el impromptu siempre dota a la música clásica de una irresistible sensación de urgencia y eterna inmediatez.
Este programa de "El Pentagrama" analiza cómo la forma musical de "tema y variaciones" evolucionó hasta convertirse en un campo de batalla para el virtuosismo y la competición entre músicos. La tesis es que, durante los siglos XVIII y XIX, esta estructura se convirtió en la música para fardar por excelencia, ideal para los duelos musicales entre celebridades como Beethoven y Liszt.
El guion ilustra esta rivalidad con ejemplos como el Hexameron, una obra colectiva en la que los pianistas más famosos de la época compitieron en ingenio. Finalmente, se contrapone el uso de las variaciones como vehículo para obras maestras profundas (las Variaciones Diabelli de Beethoven) frente a su uso para crear piezas superficiales y comerciales destinadas únicamente al aplauso fácil (como las de Henri Herz), que fueron duramente criticadas.
En este programa exploramos distintas obras construidas a partir de la forma del tema y variaciones, para reflexionar sobre su estructura y sobre la experiencia de escucha que propone al oyente. A lo largo del recorrido se analizan las cuatro grandes formas de variación que puede experimentar un tema: melódica, armónica, rítmica y tímbrica o de textura.
Para ello, escuchamos ejemplos emblemáticos como las variaciones de la Sonata op. 109 de Beethoven, Ah, vous dirai-je, maman de Mozart, las variaciones del Trío op. 11 de Beethoven, el Quinteto “La trucha” y el Cuarteto “La muerte y la doncella” de Schubert, y culminamos con las Variaciones Goldberg de Bach.
En este programa ponemos a prueba tu atención a los programas del mes sobre los sistemas de afinación y los intervalos, al tiempo que profundizamos en los estudios para piano y vemos su evolución desde los estrictamente mecánicos, hasta los musicales, para llegar a las verdaderas obras de arte. Escuchamos a Czerny, Chopin, Liszt, Schumann y Rachmaninov.
El programa repasa de forma sistemática la historia de la afinación, desde la división natural de la cuerda y el sistema pitagórico hasta la adopción práctica del temperamento igual como consenso universal. Se explican conceptos clave —frecuencia, escala, intervalo y semitono— y cómo la necesidad de tocar juntos llevó a sacrificar la “pureza” natural del sonido en favor de la libertad musical.
El recorrido se apoya en un cuarteto de Haydn y otro de Beethoven.
El programa se centra en una audición guiada del Quinteto de cuerda en do mayor D.956 de Franz Schubert, mostrando cómo la teoría musical puede afinar la escucha y profundizar en la emoción.
Tras una introducción biográfica con el Impromptu en sol bemol mayor, se analizan en detalle la forma, los temas y el discurso expresivo de los dos primeros movimientos del quinteto.
El recorrido se completa con una visión global del Scherzo–Trio y el Allegretto final, invitando a una escucha consciente de una de las cumbres de la música de cámara.
El programa reflexiona sobre la necesidad de sistemas de afinación para poder hacer música juntos, desde el problema pitagórico hasta el temperamento igual como consenso artificial que permite la libertad tonal. Se recorren las principales soluciones históricas (afinación justa, bien temperado y afinación igual) y se conectan con otros procesos de estandarización como el tiempo o la lengua escrita.
El itinerario musical incluye el Concierto para piano nº 2 de Prokófiev (movimientos I–IV), música coral renacentista de Palestrina, el Preludio en Do mayor del Clave bien temperado de Bach.
El programa explora cómo medimos y afinamos la música desde la Antigüedad griega hasta hoy, abordando el problema de la afinación, la coma pitagórica y la necesidad de consenso en la teoría musical. A través de mitos, matemáticas y metáforas, se reflexiona sobre la música como fenómeno natural, cultural y herramienta de supervivencia humana.
El recorrido sonoro incluye el Preludio a la siesta de un fauno de Debussy, la Obertura de Las criaturas de Prometeo de Beethoven, la Segunda suite de Dafnis y Cloe de Ravel y la Danza de las Furias de Gluck.
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